CADA CUAL A SU ROL

Los estereotipos en el cine son tan habituales como los finales anunciados. Entre los actores de primera línea, la confección de un estereotipo es la mejor garantía de continuidad laboral. Porque además de alcanzar una rápida identificación con el público, en la repetición de un mismo papel encuentran la credibilidad. Por esfuerzo propio o mera casualidad, hay figuras que luego de cumplir una actuación consagratoria quedan encasilladas en un determinado rol. Y con el tiempo, nombre y personaje terminar por ser lo mismo. A continuación, siete casos de celebridades que encontraron su alter ego perfecto.

EL GRUÑON
Siempre con el ceño fruncido y la mirada chiquita. Su carrera está compuesta de tres etapas bien definidas. En sus comienzos, como el vaquero (Por un puñado de dólares – 1964). A principio de los setenta se vistió de policía implacable (Harry el sucio – 1971) y en su vejez, adoptó la piel del antisociable por excelencia (Crimen verdadero – 1999). Lo curioso es que en su honroso historial de 48 filmes, no figura una sola comedia romántica.

LA MACHONA
Su apariencia dulce y maternal esconde una alta dosis hormonal. La mínima provocación la convierte en una cazadora tenaz que no se permite la misericordia o la deserción. Al igual que Angelina Jolie, en todas sus películas aparece empuñando un arma. Pero, mientras la Jolie perfuma la acción con un toque de sensualidad, Jodie adopta una actitud más talibán y evita cualquier síntoma de cariño con su acompañante masculino.

EL VALIENTE
El mundo necesita un defensor. Un ser de carne y hueso que esté dispuesto a cualquier sacrificio por la humanidad. Y Willis recogió la capa del paladín justiciero en el set de Duro de matar (1988). El oficial John McClane es una suerte de Martín Karadagian con musculosa: no importa contra quien se mida, siempre va a salir victorioso. Esto lo saben perfectamente los maníacos, terroristas, saboteadores y demás villanos que caen bajo su puño en cada filme de acción.

DESPREJUICIADA
Es raro ver a la Winslet haciendo de un ama de casa obediente y cumplidora. Si no aparece exhibiendo con orgullo la melena de sus sobacos (Humo sagrado – 1999), está mostrando los pechos en películas familiares (Titanic – 1997) o cumpliendo el papel de una mujer inmadura (Secretos íntimos 2006), cuando no le toca hacer de cortesana licenciosa (Letras prohibidas: la leyenda del Marqués de Sade - 2000). ¿Será para justificar su exceso de equipaje o el miedo al cuchillo?

LA AUTORIDAD
Con su aire campechano y el gorro de sheriff como una extensión del cráneo, este parco texano es la encarnación de la ley en la película que aparezca. Tan reservado como desconfiado, si su intuición se lo dicta, está siempre dispuesto a darle una segunda chance a su presa. Y cuando las circunstancias lo requieren, puede convertirse en un perseguidor despiadado que, en el lugar menos pensado, encuentra la pista para continuar con la investigación. En Sin lugar para los débiles (2007), encontró su mejor versión.

CHICA VICTORIANA
Con esa trompa en pucherito y una expresión de budín casero, Keira Knightley debe ser la actriz que más veces se montó a la máquina del tiempo. En menos de seis años logró sumar media docena de filmes de estilo renacentista. Desde Piratas del Caribe: la maldición del perla negra (2003), Rey Arturo (2004), Orgullo y prejuicio (2005), Expiación, deseo y pecado (2007), Seda (2007), La duquesa (2008). Que alguien le pida el boleto.

EL NEUROTICO
Con el psicoanálisis como principal arma de desconstrucción, el actor, director y guionista pasó por todas las patologías descriptas por Lacan y Freud en sus textos. Desde el maníaco compulsivo (Todo lo que usted quiso saber sobre el sexo y no se animó a preguntar – 1972), el pedófilo (Manhattan – 1979), el trastorno de identidad disociativo (Zeling – 1983), el edipo (Historia de New York - 1989) y el depresivo (Crímenes y pecados 1989) por mencionar algunas.

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PARTE DE ESTE MUNDO

Parte de la memoria colectiva de los Estados Unidos ya puede ser visitada en Google. Gracias a un acuerdo entre el buscador todopoderoso y la revista Life, es posible descubrir un catálogo fotográfico que consta de unas 10 millones de imágenes, 90 por ciento de las cuáles, nunca habían sido expuestas. Además de fotos, el archivo incluye diapositivas, grabados y placas de vidrio fechadas desde 1750 (aunque por el momento están disponibles a partir de 1860) hasta nuestros días. Los rastreadores de curiosidades encontrarán tomas del bandido Billy The Kid, Apaches de la tribu Kiowa, personalidades como Fidel Castro, Einstein con Oppenheimery, o momentos claves como la guerra civil americana, la lucha estudiantil del Partido Pantera Negra de Autodefensa o la época de la Ley seca. A continuación, una selección de fotos y su historia.

El colapso de la Bolsa de Nueva York, ocurrido en octubre de 1929, condujo a la bancarrota a los productores de materias primas, provocó el estallido de guerras comerciales y la desintegración del sistema bancario. Tuvo además, serias repercusiones en el plano político social y contribuyó a la exaltación del ultra nacionalismo. La crisis bursátil repercutió en toda la economía norteamericana y quien más sintieron el impacto fue la clase media, que se vio sumida en la miseria y sin perspectivas de mejora. Cualquier semejanza con el modelo capitalista actual, es pura coincidencia.

El 7 de diciembre de 1970 se enfrentaban en el mítico Madison Square Garden de Nueva York, dos de los boxeadores más mediáticos de su época. De un lado, el “gran Bocón” Cassius Clay y del otro, el argentino Ringo Bonavena. Ya en la ceremonia de pesaje Ringo, fiel a su estilo fanfarrón, tildó de “gallina” a su rival y le susurró “I’ll kill you”. Ringo llegaba con 68 peleas: 58 triunfos, 9 derrotas y un empate. En el séptimo round ocurrió lo inesperado, un certero golpe atontó al gran campeón, pero en lugar de rematar a su adversario, Ringo se dedicó a bailar por el cuadrilátero. Muhammad Alí se fue recuperando y el último round lo tumbó en tres ocasiones y reglamentariamente, se decretó el nocaut técnico.

El hippismo fue un movimiento contracultural nacido en los años 60, en la ciudad californiana de San Francisco. Esta corriente adoptó la ideología de la Generación Beat (Alens Ginseberg, Jack Kerouac y William Burroughs). Estos jóvenes de pelos largos y atuendo coloridos, escuchaban rock psicodélico y folk contestatario (Joan Baez, Bob Dylan, Janis Joplin), abrazaban la revolución sexual y creían en el amor libre. También vivían en comunidades campestres, cosechan sus propios alimentos y rechazaban los modelos impuestos por la sociedad de consumo.

Ku Klux Klan (KKK) es el nombre que han adoptado varias organizaciones en los Estados Unidos, que predicaban la supremacía de la raza blanca, la xenofobia, el anticomunismo, y el geocentrismo. Con frecuencia, estas organizaciones que enfundaban el cuerpo en sábanas blancas y escondían su rostro con una capucha, han recurrido al terrorismo, la violencia y actos intimidatorios como la quema de cruces, para subyugar a sus víctimas. Esta organización que data del año 1865, tuvo su auge durante la Segunda Guerra Mundial, ya que algunos miembros destacados del Klan, se sintieron identificados con la Alemania nazi y su influencia se extiende hasta nuestros días.

Para satisfacer la demanda de mano de obra en labores agrícolas, los Estados Unidos, desde que se constituyó en una Nación soberana, desplazó a más de 20 millones de personas desde las costas africanas. La esclavitud que se extendió principalmente entre los estados sureños, fue abolida primero en el norte industrial, para finalmente derogarse en todo el territorio, al caer derrotado el sur, en 1865, por el Presidente Abraham Lincoln. En una serie de debates históricos con el senador Douglas, Lincoln afirmó que «este gobierno no puede subsistir permanentemente siendo mitad esclavo y mitad libre.»

El conflicto que enfrentó a los EE.UU. y el gobierno de Vietnam del Sur, contra Vietnam del Norte y las guerrillas comunistas que actuaban en Vietnam del Sur, terminó por expandirse a Laos y Camboya. En 1964, alegando como justificación el incidente de Tonkín contra su destructor Maddox, el 2 de agosto de 1964, EE.UU. inició una intervención abierta en la región. Así pasó de 4 mil soldados en 1962 a casi 500 mil en 1967. La guerra de Vietnam fue la más larga en la historia norteamericana y supuso uno de los más grandes fracasos militares. El hecho de ser la primera campaña transmitida en directo por los medios de comunicación, junto a los bombardeos masivos, el uso de agentes químicos y una crueldad fuera de serie, hicieron enormemente impopular la política de EE.UU..

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LA TIERRA PERMANECE

Las heridas de batallas más severas no son las que están representadas por una cicatriz, sino aquellas que no dejan rastro. En el filme de animación israelí Vals Im Bashir se trata la realidad paralela que viven los soldados en un campo de batalla, un hecho que no consigue ser asimilado por el conjunto de la sociedad. Porque cuando esos muchachos regresan al hogar, su familia está hastiada de muerte y no quieren compartir el horror acumulado. El mejor camino para esos recuerdos traumáticos será el olvido. El éxito cosechado por el filme, dio origen a una novela gráfica, escrita por el propio director junto a David Polonsky, que se complemente a la perfección con la trama cinematográfica.

En esta ópera prima de la animación para su director y protagonista, Ari Folman, tiene la particularidad de ser un documental sobre la guerra entre Israel y el Líbano en donde los testimonios, retratados casi a la perfección en sus poses y movimientos, corresponden a personas reales.
Cabe señalar que el filme fue estrenado en el Festival de Cannes, obtuvo el Globo de Oro a la Mejor Película de Habla No Inglesa y fue una de las candidatas a los Premios Oscar, donde sorpresivamente fue desplazada por la japonesa Departures, de Yojiro Takita.

De qué va. El nudo del la historia ocurrió en el año 1982, en las localidades de Sabra y Chatila, el Líbano, cuando un grupo de falangistas cristianos entró a un campo de refugiados palestinos y masacró a unos tres mil civiles inocentes, ante la absoluta pasividad de las tropas israelíes. La matanza fue una represalia por el asesinato del líder falangista y futuro presidente libanés, Bachir Gemayel, ocurrido dos días atrás.

Al hueso. Los primero que sorprende a los espectadores en Vals Im Bashir es el tratamiento de las imágenes. Hay algo en los desplazamientos de vehículos, fachadas de edificios y gestos de los soldados, que por momentos, los vuelven de carne y hueso. Algo similar había mostrado Richard Linklater en Waking Life (2001) y Scanner Darkly (2006) donde utilizaba una técnica mixta de animación denominada rotoscopiado, que consiste en rodar tomas en video y tras un procedimiento de calcado digital, transformaba a los actores en figuritas de colores. Pero no quedan dudas de que Folman llevó un paso adelante este método ideal para retratar fantasías oníricas.

Y si bien el director asume como propia la tesis del Gobierno israelí, donde los responsables fueron únicamente los falangistas, deja de lado el costado más político de la historia para reflexionar sobre la insensatez de los conflictos que hasta el día de la fecha, sacuden a Oriente Medio. Y aunque no es indispensable conocer los detalles sobre la guerra entre estas dos naciones, el ritmo narrativo es muy dinámico, no está de más manejar la información básica para captar algunos puntos claves del conflicto.

En definitiva. Un hecho verídico que sacude por la crudeza de los hechos y el tratamiento de los fotogramas, aunque no inquieta ni tampoco abruma.

6/10

TITULO: Vals con Bashir
ORIGINAL: Vals Im Bashir
ESTRENO: 30 de abril, en la Argentina
ORIGEN: Israel, Francia y Alemania
AÑO: 2008
DURACION: 86 minutos
DIRECTOR: Ari Folman
PRODUCCION: Ari Folman, Yael Nahlieli, Serge Lalou, Gerhard Meixner y Roman Paul
GUION: Ari Folman
MUSICA: Max Richter
MONTAJE: Nili Feller
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JUSTICIERO MALDITO

Deben existir pocas figuras provenientes del cine clase B que gocen del prestigio y la reputación del señor Bruce Campbell. La especialidad de este cazador de mutantes son las comedias de terror, género al que consagró gran parte de su carrera cinematográfica. Pero que los filmes hayan sido de bajo presupuesto no implica que la historia también lo sea. Incluso, algunos títulos como la trilogía The Evil Dead (1982, 1987, 1993) que lo tuvo como protagonista, es considerada en todo el mundo una obra de culto por su mezcla de sangría diabólica y situaciones inverosímiles.

Si hay algo para reconoce de este actor es que en lugar de convertirse en una estrella polirubro prefirió conservar su estilo histriónico y el bajo perfil en el cartel. Además de trabajar junto a Sam Raimi en Evil Dead I y II, más Army of Darkness (acá Noche Alucinante y El Ejército de las Tinieblas) brilló en Bubba Ho-tep (2002) donde interpretaba a un émulo de Elvis internado en un hospicio, que se enfrenta a un mal ancestral. Su estreno más reciente es My Name is Bruce (2007) donde deberá liberar a un pueblo de una legión infernal.

El hombre con el mentón acordonado tuvo varias apariciones fugaces en las tres películas de Spider-Man, hizo el papel de un demonio en el episodio de The X-Files "Terms of Endearment, en Escape from L.A. (1996) de John Carpenter se calzó la mascarilla del cirujano plástico y dio la cara en varios filmes de los hermanos Cohen. También, prestó su voz para algunos videojuegos.

Como todo actor que no acepta las reglas de la industria, padeció el rechazo y la arbitrariedad de los productores. En un principio, su amigo Sam Raimi lo había elegido para protagonizar Darkman (1990) pero a último momento, el estudio decidió sacarlo del medio y darle el papel al desabrido Liam Neeson. Algo semejante le ocurrió con The Phantom (1996) donde fue relegado por el galán de entonces, el hoy ignoto Billy Zane.

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LA DECADENCIA DEL IMPERIO

No por repetitivas, las escenas que pinta Terry Rodgers dejan de tener una fuerte crítica social. Este artista figurativo se encarga de retratar en grandes lienzos y con llamativos colores, la decadencia de la burguesía norteamericana. En sus pinturas al óleo, la desnudez del cuerpo forma parte de un paisaje tan característico como los vasos a medio llenar o los collares que penden de cuerpos esculturales. El observador de la obra es también una suerte de vouyear al que se le abren las puertas de una mansión en donde se celebran los excesos. Bienvenidos, la función está por comenzar. Aflojen sus cinturones.

Incluso, en algunas obras, el erotismo desinhibido se presenta como parte de un compromiso social más que como un rito de amor colectivo. Los rostros de hastío e indiferencia de la W.A.S.P. (acrónimo de White, Anglo-Saxon and Protestant) y su entorno de influencias, no hacen más que reflejar el desencanto de aquellos individuos cuyo porvenir es como una línea constante en el horizonte.

Es el propio Rodgers quien sostiene “Mi esperanza es que al final, estas pinturas muestren seres humanos genuinos, frágiles, que intentan proyectar algunos de sus temores. Cada uno de ellos es único en su extensa individualidad -en sus cabellos, sus ojos, sus labios, sus manos- y todos; independientemente el uno del otro, pelean y luchan encontrando soluciones simples superficiales, escapes efímeros a las adivinanzas eternas de la conciencia”.

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AL BORDE DEL KO

Como es verdad que las apariencias engañan y no siempre lo que brilla es oro, la sumatoria de distinciones acumuladas por un filme -más los elogios de una crítica cómplice- hacen que muchas veces el espectador se sienta en desnivel. Porque lo que vio en la pantalla no se condice con las expectativas que la industria generó en los meses previos a su estreno. Mientras hace un bollo con la entrada y la arroja a un tacho, piensa que el desarrollo escapó a su entendimiento. Y que la culpa fue suya por no haber captado el mensaje del director. Algo de esto ocurre con The Wrestler, una película que navega con viento a favor en todos los festivales en los que participa, pese a que la embarcación no es apta para surcar aguas profundas.

Tanto el guión como la dirección estuvieron a cargo de Darren Aronofsky, un tipo súper respetado con un estilo muy personal. Pero a diferencia de sus trabajos anteriores (Pi - 1998, Réquiem por un sueño - 2000) donde la trama era quien daba sentido a los personajes; en esta oportunidad se da a la inversa: el placer está más en la contemplación que en la acción. Incluso, llama la atención que en las casi dos horas de metraje no aparezca un sólo villano. Pero pudo haber sido peor. El papel protagónico fue concebido para Nicolas Cage y a último momento lo reemplazó Mike Rourke.

De qué va. Randy “El carnero” Robinson (Mickey Rourke) es un luchador que durante los ochenta conoció la gloria. Pero en la actualidad, su vida está en decadencia y su única compañía es Cassidy (Marisa Tomei) una bailarina de lap-dance.

Al hueso. En su concepción, The Wrestler, tiene demasiados puntos en contacto con Rocky Balboa (2006). En ambos casos, los protagonistas fueron celebridades que pasaron al olvido y para sobrellevar esta desdicha viven añorando el pasado. Pero mientras el filme de Sylvester Stallone mezcla en partes iguales la melancolía con la emoción, en el caso de Aronofsky, el único estímulo es la ternura que pueda despertar Randy. Y aunque es verdad que algunas veces logra conmover con sus actitudes de niño adulto, hay otras que producen indiferencia. Lo que termina resultando demasiado insustancial.

Y si bien es meritoria la angustia y el aire romántico que Mike Rourke le imprime al luchador, también en cierto que es el mismo papel que vino desempeñando a lo largo de toda su carrera. Quizás, los años de frustración y las semejanzas con la realidad del actor, hayan logrado más un reflejo autobiográfico que una verdadera interpretación. Lo que no deja lugar a dudas es que en The Wrestler logró su actuación consagratoria, aquella por la que será recordado por muchos años.

En definitiva. No es una película insostenible, aunque tampoco una obra maestra. Simplemente, intrascendente. Se puede ver y olvidar con la misma facilidad con que se cambia de canal.
Score 5/10

TITULO: El luchador
ORIGINAL: The Wrestler
ESTRENO: 19 de febrero, en la Argentina
ORIGEN: Estados Unidos
AÑO: 2008
DURACION: 115 minutos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
REPARTO: Mickey Rourke (Randy Robinson), Marisa Tomei (Cassidy), Evan Rachel Wood (Stephanie), Ernest Miller
GUION: Darren Aronofsky y Scott Franklin
MUSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFIA: Maryse Alberti
MONTAJE: Andrew Weisblum
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LISTA CANTADA

Siguiendo la metodología de Rob Gordon, aquel memorable personaje de High Fidelity que no paraba de confeccionar listas de todo lo que se le cruzaba por la mente, vamos a iniciar nuestra sección de preferencias. Vale señalar, para aquellos que vieron el filme de Stephen Frears y se lanzaron al libro de Nick Horby (o viceversa) que una vez más, la adaptación cinematográfica superó a la historia original del papel. O como debió reconocer Obi-Wan Kenobi, el alumno terminó por aventajar a su maestro. Sin demasiadas consideraciones y con una desfachatez que apenas avergüenza vamos a seleccionar las 10 canciones más representativas de la música nacional. Para la elección, se tuvo en cuenta la calidad del intérprete. Acá están, estas son:

1 Alfonsina y el mar
De: Ariel Ramirez y Félix Luna. Interpretada por: Mercedes Sosa.

2 Naranjo en Flor
De: Homero Aldo Expósito (letra) y Virgilio Hugo Expósito (música).
Interpretada por Roberto Goyeneche.

3 El fantasma de Canterville
De: Charly García. Interpretada: Porsuigieco.

4 Luna tucumana
De: Atahualpa Yupanqui. Interpretada: Atahualpa Yupanqui.

5 Todas las hojas son del viento
De: Luis Alberto Spinetta. Interpretada: Pescado Rabioso.

6 Por una cabeza
De: Alfredo Le Pera y Carlos Gardel. Interpretada: Carlos Gardel.

7 Superlógico
De: Carlos Indio Solari y Skay Beilinson. Interpretada: Patricio Rey y los
redonditos de Ricota.

8 No me arrepiento de este amor
De: Miriam Alejandra Bianchi. Interpretada: Gilda.

9 Carta de un león a otro
De: Chico Novarro. Interpretada: Juan Carlos Baglietto.

10 Noches en los jardines de España
De: Manuel de Falla. Interpretada: Martha Argerich - Daniel Barenboim.

¿Cuál estaría faltando?

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EL RETO SUPREMO

Si alguien decide mirar Slumdog Millionaire ¿Quieres ser millonario? (así de insistente es la traducción local) sin ningún condicionamiento previo, la primer sorpresa es que el filme está ambientado en la India y en consecuencia, los actores son completamente ignotos para el público occidental. Lo curioso del caso es que la dirección está a cargo del británico Danny Boyle (Trainspotting - 1996). Aunque todas estas cuestiones se diluyen a los cinco minutos de rodaje, no es un dato menor que la película obtuvo 11 nominaciones a los premios de cine de Gran Bretaña, fue una de las preferida en los Globos de Oro y es una de las candidatas más firmes para los Oscars. ¿Será para tanto?

Si algo demostró Danny Boyle con Exterminio (2002) es que le sobra oficio para llevar adelante una producción de bajo presupuesto. Pero en esta oportunidad el desafío era mucho más arriesgado. Porque para contar esta historia necesitaba despuntar las convenciones y desaciertos del cine de Bollywood, lograr que el espectador no se sienta traicionado o aun peor, que la distancia en la que transcurren los hechos no se cristalice en indiferencia. Para aflojar estos nudos eligió un estilo narrativo dinámico, todo despliegue y espectáculo, que no deja espacio a las reflexiones superficiales o las semejanzas de ningún tipo.

De qué va. Tras el fallecimiento de su madre, Jamal Malik y su hermano Salim quedan abandonados a su suerte. En el camino se les unirá Latika, una huérfana que está dispuesta a afrontar los peligros de vivir en las calles de Bombay.

Al hueso. Se podría decir que Slumdog Millionaire ¿Quieres ser millonario? está dividida en dos, o mejor dicho, que una segunda trama se suelda a la principal sin dejar huellas externas. La primer parte se presenta como una aproximación sociológica de Mumbai, sus calles atestadas de mendigos, las privaciones de sus habitantes y el posterior ascenso en plena globalización. La otra, es una novela de amor que se instala en la pantalla con disimulada naturalidad y se queda hasta el final.

Para sostener esta estructura, Danny Boyle y Loveleen Tandon, que codirige el filme, utilizan una narración que se va ensamblado en cuartos, con tomas rápidas y colores impactantes que cautivan la atención de la platea. Y lo más importante de todo, que la adaptación que Simon Beaufoy realiza del libro Q & A, de Vikas Swarup, está muy bien lograda y funciona perfectamente en cualquier cine del mundo.

En definitiva. Una película bien contada, mejor filmada y con todos los condimentos de amor, acción y drama que tienen los grandes títulos. Para no dejar pasar.
Score 8/10

TITULO: Slumdog Millionaire ¿Quieres ser millonario? ORIGINAL: Slumdog Millionaire
ESTRENO: 19 de febrero en la Argentina
ORIGEN: Reino Unido - India
AÑO: 2008
DURACION: 120 minutos
DIRECTOR: Danny Boyle y Loveleen Tandon
REPARTO: Dev Patel (Jamal Malik), Freida Pinto (Latika), Madhur Mittal (Salim), Anil Kapoor (Prem Kumar), Irrfan Khan (inspector de policía).
GUION: Simon Beaufoy
MUSICA: A.R. Rahman.
FOTOGRAFIA: Anthony Dod Mantle
MONTAJE: Chris Dickens
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DE A TRES

Con toda la polémica y la expectativa que despiertan las películas de Woody Allen, su aporte para el año en curso es Vicky Cristina Barcelona. Siguiendo el trazado de El sueño de Cassandra (2007), su filme anterior, para esta ocasión borró el tono de comedia que lo caracteriza y en lugar de su repetido arsenal de sainetes decidió apostar por un drama pasional, en donde no abunda la risotada ocurrente ni tampoco la ansiedad policial. Además de un argumento sobrio pero entretenido, el gran mérito del hijo de Manhattan reside en la dirección de actores. Los tres protagonistas lucen convincentes; acaso inspirados por los parlamentos desprejuiciados logran despegarse de su ego actoral para entregarse a sus personajes.

Una peligrosa tendencia o un curioso método de financiación que aparece en ciertos filmes como Escondidos en Brujas (2007) de Martin McDonagh, es la propaganda turística disimulada dentro del metraje. Y si bien la mirada que Woody realiza de la cuidad de Oviedo, los diseños del arquitecto catalán Antoni Gaudí y las esculturas de Miró en la cuidad condal, no desentonan con la estética general, hay un excesivo interés por el paisaje que no resulta cómodo al espectador más aprensivo. Será mejor decirlo ahora y no esperar a que en un futuro, se pueda contratar un paquete vacacional desde la propia sala de cine.

De qué va. Cristina (Scarlett Johansson) y Vicky (Rebecca Hall) son dos turistas norteamericanas que llegan a Barcelona a pasar la temporada de verano. Hasta que conocen a Juan Antonio (Javier Bardem), un pintor con mucho encanto que sigue cautivado por María Elena (Penélope Cruz), su antigua pareja.

Al hueso. En Vicky Cristina Barcelona no estamos ante el típico producto de la factoría Allen, donde un talento frustrado (puede ser él mismo o un alter ego) acumula penas y desamores a lo largo de 90 minutos de parodia. Tampoco es una obra lúcida, que ofrezca múltiples puntos de reflexión. Si embargo, uno puede reconocer el sello de su autor, aunque nadie haya informado que se trata de una película suya.

Desde lo formal, recurrió nuevamente a la idea de cuento animado o teatro cinematográfico, donde una voz en off (la de Christopher Evan Welch) va narrando los acontecimientos. Un recurso que le sirve para saltar de una escena a otra con total prolijidad. Los puntos más altos van por el lado de la producción, donde todos los detalles están cuidados y no se trasluce esa falta de compromiso que caracterizan a La primicia (2006) y La maldición del escorpión de jade (2001).

En definitiva: Un guión que no brilla por su ingenio pero tampoco permite que decaiga la atención. Algo que sus seguidores van a agradecer.
Score 6/10

TITULO: Vicky Cristina Barcelona
ESTRENO: 5 de febrero (En Argentina)
ORIGEN: España y Estados Unidos
AÑO: 2008
DURACION: 96 minutos
DIRECTOR: Woody Allen
REPARTO: Javier Bardem (Juan Antonio), Patricia Clarkson (Judy Nash), Penélope Cruz (María Elena), Kevin Dunn (Mark Nash), Rebecca Hall (Vicky), Scarlett Johansson (Cristina), Chris Messina (Doug), Zak Orth, Carrie Preston, Pablo Schreiber.
GUION: Woody Allen
PRODUCCION: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Gareth Wiley
FOTOGRAFIA: Javier Aguirresarobe
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DE TIRO CORTO

Entre el calor, la proximidad de las fiestas y los oscuros vaticinios para el 2009, lo menos que uno tiene ganas de hacer es involucrarse con una película densa, con diálogos sesudos y largos planos secuencia. Para quien pretenda “matar su tiempo” sin obtener a cambio una reflexión metafísica sobre la finalidad de la raza o la ausencia de Dios, acá marchan seis filmes menores para ver con el cubo de pochoclos entre las piernas. Si hay algo que caracteriza a estos títulos es que en algún punto de la trama, la acción se pasa de rosca y la historia puede terminar en cualquier disparate. En algunos casos esto ocurre y en otros, se logra recuperar. Que nadie diga que no fue advertido.

DEATH RACE
De: Paul W.S. Anderson. Con: Jason Statham (Jensen Ames), Joan Allen (Hennessey), Tyrese Gibson (Machine Gun Joe), Ian McShane (Coach), Natalie Martinez (Case), Max Ryan (Slovo Pachenko), Jason Clarke (Ulrich). Año: 2008. Duración: 105 minutos. Origen: EE.UU.

Basada en Death Race 2000 (1975) un clásico de la productora de Roger Corman, donde un grupo de presos alojados en Isla Termal, una cárcel del año 3000, deben competir en una carrera donde todo está permitido. Los vehículos cuentan con ametralladoras, misiles, bombas de napalm y todo lo que uno puede imaginarse.

JCVD
De: Mabrouk El Mechri. Con: Jean-Claude Van Damme, François Damiens (Bruges), Zinedine Soualem (el hombre con sombrero), Karim Belkhadra (el vigilante). Año: 2008. Duración: 96 minutos. Origen: Francia, Bélgica y Luxemburgo.

A los 47 años de edad, el astro de las artes marciales está en plena crisis existencial. Sin trabajo, separado de su esposa y distanciado de su hija. Así que decide volver a Bélgica, su hogar, para encausar su vida. Aunque lo peor de todo está por llegar. Entre la parodia y la acción, un filme que lleva como título las iniciales de su protagonista.

SPLINTER
De: Toby Wilkins. Con: Shea Whigham (Dennis Farell), Paulo Costanzo (Seth Belzer), Jill Wagner (Polly Watt), Rachel Kerbs (Lacey Belisle). Año: 2008. Duración: 82 minutos. Origen: EE.UU.

Esta película de terror independiente, tiene un argumento interesante, que la sangre y los gritos de las víctimas logran disimular con eficacia. Atrapados en una estación de servicio en el medio de la ruta, una pareja deberá sobrevivir a una amenaza que se apodera del cuerpo.

THE OBJECTIVE
De: Daniel Myrick. Con: Jonas Ball (Benjamin Keynes), Matthew R. Anderson (Oficial Wally Hamer), Michael C. Williams (Sgt. Trinoski), Sam Hunter ( Sgt. Tim Cole), Jeff Prewett (Sgt. Pete Sadler), Chems-Eddine Zinoune (Abdul). Año: 2008. Duración: 90 minutos. Origen: Marruecos/EE.UU.

El director de The Blair Witch Project (1999) apuesta por un filme seco, de bajo presupuesto, donde el terror y lo sobrenatural se dan la mano. Los hechos se desarrollan cuatro meses después de la invasión a Afganistán. Un grupo de soldados de las fuerzas especiales y un reportero, deben enfrentarse a un enemigo que supera sus fuerzas.

EL JUEGO DEL MIEDO V
De: David Hackl. Con: Tobin Bell (Jigsaw), Costas Mandylor (Hoffman), Scott Patterson (agente Strahm), Betsy Russell (Jill), Mark Rolston (Erickson), Carlo Rota (Charles), Julie Benz (Brit), Greg Bryk (Mallick), Laura Gordon (Ashley), Mike Butters (Paul), Meagan Good (Luba). Año: 2008. Duración: 92 minutos. Origen: EE.UU.

Aunque es más de lo mismo, el único justificativo para ver esta saga que promete no terminar nuca es, simplemente, que entretiene. La trama gira en torno a los últimos días de Jigsaw, un asesino con cara de buen tipo y espíritu de justiciero, que ejecuta a sus víctimas con un método brutal. Personas impresionables, abstenerse.

TRES DIAS
De: F. Javier Gutiérrez. Con: Víctor Clavijo (Alejandro), Mariana Cordero (Rosa), Eduard Fernández (Lucio), Daniel Casadellá (Emilio), Ana de las Cuevas (Raquel), Elvira de Armiñán (Clara), Juan Galván (Nico), Vicente Romero (Marcial), Pepe Salas (don Miguel), Antonio Dechent (Urbano), Alejandro Muñoz (Josema), Miguel Zurita (Damián). Año: 2008. Duración: 93 minutos. Origen: España.

Aunque ofrece el mejor argumento de las seis, está contado desde una óptica más intimista, donde no predominan los efectos especiales ni los típicos héroes. Por la televisión se anuncia que un meteorito va a chocar contra la tierra en las próximas 72 horas. Un joven holgazán que vive en el pueblo de Laguna, deberá aliviar del horror a sus sobrinos pequeños.

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PARA RECORDAR

Hay algunos videos que como los vinos de buena cepa mejoran con el reposo. Este es el caso de Remind Me, del dúo noruego Röyksopp que inspirados en la sistematización de la sociedad contemporánea lograron una verdadera obra maestra. Esta suerte de infografía animada pertenece al álbum Melody AM (2001), una placa a mitad de camino entre la decadencia del Downtempo y el ascenso del Hip-hop. Por este clip, Torbjorn Brundtland y Svein Berge recibieron el MTV Europe Music Award al mejor video del año, en el 2002.

La dirección estuvo a cargo de Ludovic Houplan & Hervé de Crécy, mientras que la cantante invitada fue Erlend Oye (Kings of Convenience). Otra de las facetas de esta dupla oriunda de la ciudad de Tromso, es la de productores. No sólo ejercen como tales en sus trabajos, sino que también lo han hecho recientemente con otros artistas como Boy George y Felix Da Housecat.
Y como justo para esta fecha se cumple un aniversario de la fundación de la banda, en la página oficial se pueden descargar un tema gratuito titulado Happy Birthday. Qué originales, verdad.

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EL OFICIO DEL SONIDO

El luthier es un artesano que se dedica a inventar o reparar artefactos musicales. Aunque la acepción francesa del término «luthérie» hace referencia a quien ajusta instrumentos de cuerda, el concepto se extiende a cualquier artífice que se entrega a la fabricación de dispositivos sonoros. Este oficio que despuntó durante el Renacimiento, encontró su apogeo en la ciudad de Cremona, Italia y logró perpetuarse en profesión gracias a la dinastía Stradivarius, Guarnieri, Amati, todos ellos grandes violeros. El propósito de estos hacedores fue practicar modificaciones a los instrumentos convencionales para experimentar nuevas cadencias. Aquí nomás, algunas rarezas que si bien no parecen muy funcionales, alcanzan un registro bastante armonioso.

Armónica de cristal. Está compuesta por una serie de recipientes de cristal organizados de mayor a menor sobre un eje paralelo que al ser accionado por una pedalera, hace que las pocillos rueden. Para alcanzar ese sonido cristalino, mientras estás cazuelas giran, hay que rozarlas con las yemas de los dedos humedecidas. Este artefacto fue perfeccionado por Benjamin Franklin en 1761 y tanto Mozart, Beethoven como Richard Strauss, compusieron piezas para ser ejecutadas con este trasto. En muchas partes de Europa fue prohibido por que se suponía que causaba locura, depresión y muerte por envenenamiento.

Guitarra habanera. Su caja de resonancia es un estuche de habanos cubanos, aunque puede ser confeccionada con embalajes menos lujosos. Su origen se remonta a los Estados Unidos, en los estados de Mississippi, Louisiana, Georgia o Alabama, donde los esclavos que trabajan en las plantaciones de algodón, tabaco y maní, utilizaban herramientas caseras para fabricar sus primeras guitarras, que más tarde, dieron origen al género del blues. Entre los bluseros que utilizaron este particular instrumento se cuentan: Blind Willie Jonson, Lightnin Hopkins, Albert Collins, George Benson, Fenton Robinson, Albert King, entre otros virtuosos.

Arpa giratoria. La phonoharp es un instrumento que combina la encorsetada lírica decimonónica con la autonomía moderna del DJ. Fue diseñada por el compositor Walter Kitundu y es ideal para quienes realizan improvisaciones en vivo. En realidad, se trata de una bandeja de discos con veintisiete cuerdas de nylon, tensadas en un rango de cinco octavas. El sonido del útil es similar al koto japonés. Para repicar sus cuerdas se pueden utilizar los dedos o cualquier aparejo en forma de púa.

Rueda de mandolina. Elaborada por Ken Butler, este artista de vanguardia proyecta instrumento que se basan la forma del teclados y la guitarra. Muchos de los objetos que diseña tienen una función estética y sólo unos pocos pueden ser ejecutados. Para materializar sus invenciones, Butler recicla toda clase de elementos. Desde armas, linternas, tableros de ajedrez, respaldos de asiento, botas, manuales, a los que les agrega un mástil sobre el que va adosado el diapasón y posteriormente, las cuerdas de la mandolina.

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GUERRA TOTAL

Por más mediaciones y tratados que se firmen, las guerras van a seguir existiendo más allá de George W. Bush, Dmitri Medvedev, Shimon Peres, Mahmoud Abbas, Osama bin Laden o Barak Obama. Los pueblos primitivos peleaban por el control del territorio, la dominación del otro o simplemente, por miedo o codicia. En la actualidad, las disputas tienen un carácter político y un costado social. Alguna vez Thomas Malthus dijo que epidemias, enfermedades, guerras y otros flagelos, contribuyen a frenar el crecimiento demográfico de la población. Algo que visto desde una perspectiva macro no resulta tan descabellado hoy en día. En este recorrido por imágenes, seis enfrentamientos entre dos bandos que replican una de las artes más antiguas de la humanidad: la guerra.

La estación ferroviaria de Chattrapati Shivaji, en Bombay, en el estado de Maharashtra, India, sufrió el ataque de un grupo armado con fusiles AK47. También arrojaron algunas granadas entre el público. El balance: 55 muertos y cientos de heridos. Los terroristas se dieron a la fuga tras el ataque.


Todo comenzó con la muerte de un estudiante de 16 años. Los disturbios entre jóvenes universitarios y la policía de Atenas, que también se trasladó a otras ciudades griegas, se prolonga por más de cinco días. En medio de esta crisis social y política, una huelga general de los sindicatos se sumó a la protesta.


El frente afgano se hace sentir en Pakistán; donde cerca de noventa vehículos resultaron calcinados esta semana en las terminales de Al Faisal y Fort World Logistic. El mismo cuadro se presentó en Peshawar, donde una docena de vehículos de combate que transportaban provisiones para las fuerzas de seguridad especiales de la OTAN, fueron incinerados por supuestos grupos talibán.


En Bisie, Congo, el coronel Samy Matumo, jefe de una unidad rebelde del ejército explota las minas ubicadas entre las montañas. Por unas pocas monedas, los hombres deben excavar las laderas con precarias herramientas y luego transportar el mineral sobre sus espaldas unos 50 kilómetros.


El carguero ucraniano, el MV Faina, trasladaba 33 tanques de guerra T-72, armas y una gran cantidad de munición hacia el puerto de Mombasa, Kenia, cuando fue interceptado por un grupo de piratas en sus precarias lanchas. Entre los barcos secuestrados figura el Sirius Star que transportaba petróleo.


Una de las decisiones más difíciles para Barak Obama es la promesa de enviar unos 7 mil soldados norteamericanas para resistir las embestidas del ejército talibán. En la foto, dos soldados accionan un mortero desde su pequeño bunker de contención. En Afganistán hay cerca de 65 mil efectivos, de las cuales 31 mil son estadounidenses.

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LA CIUDAD DE LA FURIA

Con películas tan sangrientas como taquilleras, el cine norteamericano convirtió a la mafia mediterránea en un género cinematográfico. Realizadores como Martin Scorssese «Casino – 1995, Goodfellas - 1990», Francis Ford Coppola «The Godfather I, II, III» y Sergio Leone «Once Upon a Time in America - 1984» se encargaron de trasmitir los códigos de honor y los valores de esta organización familiar. Para obtener algún rédito de este filón, los italianos intentaron contar su versión de la historia en más de una oportunidad, pero nunca encontraron el tono exacto. Gomorra es un nuevo intento empujado por el director romano Matteo Garrone, quien se sube al éxito del best seller homónimo del periodista Roberto Saviano, publicado ya hace unos años atrás.

El imperio facineroso de Italia está seccionado en tres clanes: la Ndrangheta «Calabria», la Cosa Nostra «Sicilia» y la Camorra «Nápoles». Sus miembros se denominaban a sí mismos mafiosos «hombres de honor» y carecen por completo del glamour y el refinamiento con que los pinta Hollywood. Son hombres bestiales, de grandes abdómenes y escasa retórica. El libro de Saviano fue traducido a más de 30 idiomas y logró que Camorra y Gomorra –acaso por su parentesco auditivo- sean aceptados como sinónimos. Aunque semejante notoriedad no es gratuita. Los regentes del crimen organizado han puesto un precio a la cabeza de Saviano, lo que obligó al autor a exiliarse de su patria y vivir con una escolta permanente.

De qué va. Describe la vida en cinco barrios napolitanos y las personas que, directa o lateralmente, están ligadas al mundo delictivo. Desde un sastre de alta costura, dos salteadores de medio pelo, un pagador, un niño que busca ser reclutado y un empresario que maneja desechos tóxicos.

Al hueso. Lo intenta dejar explícito el filme es que la Camorra no es una estructura verticalista, sino una denominación genérica para un grupo de familias que se reparten el territorio de Nápoles y la Campania. Algunas de estas camarillas operan en conjunto y otras, están enfrentadas a muerte. Este sistema está integrado por niños que vigilan cada coche que circula por los suburbios de Secondigliano, traficantes de las calles de Scampia, fabricantes de indumentarias de moda, inversores financieros, políticos y organizaciones internacionales.

Para no correr la misma suerte del autor, Matteo Garrone borró todos los nombres propios y registros certificados, para adaptar libremente los 11 episodios del libro en cinco situaciones sociales. Lo que dio como resultado una exposición deshilachada, que no logra establecer un vínculo afectivo o sindical entre los diferentes interlocutores. Y aunque el relato parece destinado a un público conocedor del tema, también es cierto que logra trasmitir el poder que manejan estas redes criminales.

En definitiva. A mitad de camino entre el documental y la ficción, el filme logra entretener de a ratos. En esta inestabilidad narrativa se mezclan pasajes de gran impacto con planos demasiado repetitivos.
Score 6/10

TITULO: Gomorra
ESTRENO: sin fecha en la Argentina
ORIGEN: Italia
AÑO: 2008
DURACION: 135 minutos
DIRECTOR: Matteo Garrone
REPARTO: Toni Servillo (Franco), Gianfelice Imparato (Don Ciro), Maria Nazionale (Maria), Salvatore Cantalupo (Pasquale), Gigio Morra (Iavarone), Salvatore Abruzzese (Totò), Marco Macor (Marco), Ciro Petrone (Ciro), Carmine Paternoster (Roberto), Zhang Ronghua (Xian), Simone Sacchettino (Simone)
GUION: Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Gianni Di Gregorio, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso y Roberto Saviano; basado en la novela "Gomorra" de Roberto Saviano
MONTAJE: Marco Spoletini
FOTOGRAFIA: Marco Onorato
SITIO OFICIAL

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CAZA VAMPIROS

El folklore de los vampiros se inició con las primeras caravanas de gitanos que atravesaron los montes Cárpatos y trajeron a Eslovaquia el mito de seres anochecidos que se alimentaban con la sangre de sus semejantes. En 1431 estás tribus nómadas se cruzaron hasta Rumania para establecerse al norte de Transilvania. La leyenda de esta raza con prominentes colmillos y poderes de ultratumba fue enriqueciendo la mitología de los Balcanes y de allí se propagó al resto de Europa. El miedo que causaban estas criaturas demoníacas entre los habitantes fue tal, que en mercados y conventos se vendían unos pertrechos para repeler ataques. Algunas de las reliquias mata vampiros, en un clic.

Este arcón de caoba custodia una pistola de un solo disparo, balas de plata, harina de ajo, una daga de azogue, una cruz de ébano, una clava con una estaca de madera, un suero especial y otros elementos más. Las municiones fueron confeccionadas por el armero belga Nicolas Plomdeur.

El estuche es una suerte de kit de supervivencia para aquellos individuos que se desplazan por el este de Europa durante largas travesías. El cofre contiene los siguientes adminículos: balas elaboradas con plata pura, brotes de ajo, azufre en polvo, estacas de roble, crucifijo de marfil, manual de instrucciones. Varios frascos con especias purificadoras. El equipo fue subastado en el año de 1851 en una exposición en la ciudad de Londres.

Según algunos tratados de la época, como el volumen confeccionado por el profesor Blomberg, la estaca debe ser de un rosal silvestre, álamo o fresno. En lugar de utilizar cualquier otro tipo de madera, el mejor reemplazo es un hierro al rojo vivo. En sus páginas se recomienda revestir un muro de la cripta con espejos para que el bicho no vuelva a levantarse. Las primeras víctimas del vampiro serás sus familiares próximos, luego sus vecinos y demás habitantes del pueblo.

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